Le réalisateur mexicain Alonso Ruizpalacios revient sur nos écrans avec The Grill, en salles ce mercredi. Une plongée immersive dans l’effervescence des cuisines d’un restaurant new-yorkais, où se dessine avec sensibilité le rôle de l’immigration dans la dynamique d’un pays. Rencontre avec celui qui brûle l’American Dream.
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Konbini ⎥Votre film est tourné en noir et blanc, un choix esthétique qui s’inscrit dans la continuité de Café Paraíso. Pourquoi cette fidélité à ce style visuel ?
Alonso Ruizpalacios : Le noir et blanc me fascine. Il sollicite le cerveau différemment, l’incitant à interpréter inconsciemment les nuances de gris en couleur. Cela modifie notre manière d’interagir avec l’image, la rendant moins évidente, plus immersive. Pour ce film, c’était essentiel.
L’autre raison tient à la représentation visuelle de la cuisine au cinéma. Aujourd’hui, les films et émissions culinaires sont saturés d’images magnifiées : des plats sublimés en slow motion, du beurre fondant sous un éclairage parfait… Je voulais m’éloigner de cette esthétique. Le noir et blanc recentre l’attention sur les cuisiniers plutôt que sur la nourriture, la dépouillant de son attrait sensoriel.
Vous évoquez des références comme Chef’s Table ou Anthony Bourdain. Vouliez-vous vous opposer à cette mise en scène vorace de la cuisine ?
Exactement. Mon film ne traite pas d’un restaurant étoilé mais d’un lieu de travail, d’un espace où l’on produit de la nourriture dans un cadre souvent précaire. Le noir et blanc lui confère aussi une intemporalité : il devient difficile de situer précisément l’époque du récit.
Pensez-vous que le noir et blanc est sous-exploité au cinéma aujourd’hui ?
J’adore le noir et blanc et je suis toujours heureux de voir des films qui osent ce choix. Mais cela doit être une décision prise dès la conception du film. Certaines œuvres, comme Parasite ou un film de Guillermo del Toro, ont été rééditées en noir et blanc après coup, ce qui me semble artificiel. Lorsqu’il est pensé dès l’écriture, il influence la lumière, les contrastes, la composition… Il devient alors un véritable langage visuel.
© Cinepolis
Votre film explore la diversité des cuisines new-yorkaises et met en exergue les travailleurs immigrés. Est-ce un sujet qui vous tient à cœur ?
J’ai moi-même travaillé dans un restaurant lorsque j’étais étudiant à Londres. J’ai commencé comme plongeur, puis serveur. Cette expérience m’a profondément marqué : j’y ai découvert une communauté cosmopolite, travaillant sous pression, souvent dans l’ombre.
C’est aussi un sujet brûlant. Partout dans le monde développé, l’économie repose sur des travailleurs immigrés que l’on refuse de voir. Ils viennent chercher une vie meilleure, acceptent des salaires plus bas, mais leurs droits restent précaires. C’était important d’en parler.
Avez-vous choisi Manhattan en référence à Ellis Island ?
Manhattan est un symbole historique. C’est un point d’ancrage de l’immigration aux États-Unis, façonné par des vagues migratoires venues d’Irlande, de Chine, d’Italie… Ellis Island et la Statue de la Liberté en sont les témoins. Ce contexte résonne avec mon propos.
Votre film est inspiré d’une pièce de théâtre. Comment avez-vous adapté cette narration au langage cinématographique ?
Le défi était de préserver l’unité de lieu et l’intensité du temps réel sans tomber dans une mise en scène trop théâtrale. J’ai cherché à privilégier l’image sur le dialogue, à faire en sorte que les échanges verbaux deviennent une texture sonore plutôt qu’un moteur narratif principal.
Vous naviguez entre théâtre et cinéma. Dans lequel des deux vous sentez-vous le plus libre ?
Les deux ont leur langage et leur force propre. Le théâtre offre une communion immédiate avec le public, une énergie unique. Le cinéma permet une autre forme d’introspection. J’aime alterner entre ces univers.
© Cinepolis
La mise en scène des cuisines déploie une énergie saisissante. Comment avez-vous travaillé cet aspect avec vos acteurs ?
Nous avons consacré un mois aux répétitions avant le tournage, ce qui est rare au cinéma. Les acteurs ont suivi des cours de cuisine le matin, puis des sessions d’improvisation l’après-midi. Ainsi, lorsqu’ils sont entrés sur le plateau, ils connaissaient parfaitement leurs gestes. Ils ne jouaient pas la cuisine, ils la vivaient. Cela a rendu le tournage fluide, presque chorégraphique.
Y a-t-il un moment de tournage qui vous a marqué ?
Oui, il y en a eu plusieurs, mais un en particulier : la scène de la cuisine en plein rush. Nous l’avons tournée en une semaine, et c’était intense, presque comme une bataille. Tout le monde, les acteurs comme l’équipe technique, était totalement investi.
Une autre scène forte était l’ouverture du film, où Estella traverse New York. Nous avons dû la tourner un an après la fin du tournage principal, car nous avions manqué d’argent et l’actrice, qui n’avait jamais quitté le Mexique, n’avait pas obtenu son visa à temps. Finalement, quand elle est arrivée à New York, nous avons filmé ses véritables premières réactions face à la ville.
Diriez-vous que The Grill est un film politique ?
Il l’est, mais il est aussi une expérience sensorielle. Il aborde des questions politiques, notamment avec la situation actuelle aux États-Unis.
Avec l’arrivée de Donald Trump au pouvoir, percevez-vous une menace pour la culture aux États-Unis ?
Les périodes difficiles poussent souvent les artistes à réagir. L’art est une forme de résistance, une arme contre l’ignorance. L’histoire l’a prouvé à maintes reprises.
Votre film mêle plusieurs langues. Est-ce une façon d’enrichir l’expérience sensorielle ?
Absolument. Une cuisine new-yorkaise est un microcosme du monde, un espace où se croisent des langues et des cultures. Reproduire cette diversité était essentiel à l’authenticité du film.
